Paisagens de Imagens e Texto: O Construtivismo no Século XX | TABlog

Não há muitos prédios em Tóquio que incorporem o estilo Art Déco, o que torna o Museu de Arte Metropolitano de Tóquio em Shiroganedai uma exceção maravilhosa e única. O edifício original foi a casa do Príncipe Yasuhiko Asaka (1887-1981), genro do Imperador Meiji, de 1933 a 1947. O Príncipe e a Princesa ficaram tão fascinados com a Exposição de Paris em 1925 que encomendaram o designer francês Henri Rabin e o famoso designer de vidro Art Nouveau Renee Lalique, remodelando a residência de Asaka em uma galeria de art déco. Em 1983, a residência foi finalmente inaugurada como um museu com seus interiores Art Déco lindamente preservados, tornando-a uma das obras-primas arquitetônicas mais elegantes de Tóquio.

Portanto, é uma ocasião apropriada para o museu lançar uma extensa exposição sobre o construtivismo, o movimento artístico revolucionário do início a meados do século XX que se espalhou dramaticamente por toda a Europa, coincidindo com o período de reconstrução do edifício antes de seu estabelecimento como museu. A exposição “Cartazes Construtivos do Século XX”, que decorre até 11 de abril, exibe cerca de 130 cartazes da Coleção de Cartazes Takeo, da Tama University of the Arts, que representam o desenvolvimento do movimento construtivista e as mudanças graduais ocasionadas no processo de criação por ícones e textos para cartazes, design gráfico e publicidade e mídia comercial ao longo do século XX.

Diz-se que o construtivismo começou com Vladimir Tatlin, um artista russo que idealizou um movimento artístico que responderia às mudanças sociais que ocorreram durante a Revolução Russa em 1917. Ele experimentou composições tridimensionais abstratas de metal e madeira, evitando motivos estéticos . A expressão pretendia refletir o mundo industrial moderno, adotando aplicações técnicas e materiais organizadores. O estilo enfatizava a construção e a ciência, em vez da expressão artística; Portanto, a abordagem foi estóica, simples e um tanto direta, usando apenas harmonia textual, em particular design de fonte, objetos individuais e cores específicas, como formas elementares. Artistas plásticos famosos incluem El Lissitzky, Jan Tschichold, Max Bill e Josef Müller-Brockmann, cujas obras são apresentadas na galeria.

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A exposição está dividida em três seções em dois andares e o apêndice é: 1. Iconografia e tipografia, cobrindo o construtivismo e o estilo internacional, que é amplamente ensinado pela Escola Suíça e pela Escola de Ulm. 2. Dinamismo histórico, ilustrando as influências do Construtivismo Russo, De Stijl, Bauhaus e Nova Tipografia; 3. Locais de comunicação, que prevêem tendências crescentes desde os anos 1970, como New Wave e Postmodernism.

Emile Roeder Mary Vieira, 'DC7C Panair do Brasil' 1957 © Isisuf-Archivio Mary Vieira, Milão.  Todos os direitos reservados.

O Estilo Internacional, introduzido por volta de 1932, reunia artistas, designers e arquitetos, principalmente do movimento Bauhaus, como Walter Gropius, Marcel Breuer, Mies van der Rohe e Le Corbusier, que personificavam tendências visuais retas, assimétricas e sem decoração. Portanto, determinando a simplicidade absoluta. No design gráfico, é frequentemente descrito como uma “paisagem de imagens e texto”. Cartazes apresentados por Emile Roeder, Max Beckmann (Kunsthalle Basel, 1956), anúncio da exposição, Marie Vieira, DC7C Panair do Brasil (1957 © Isisuf-Archivio Mary Vieira, Milano), promocional, são exemplos desses designs gráficos limpos e ortodoxos da época. Emil Roeder foi um escritor, designer gráfico e professor suíço na Basel School of Design. Ele foi um dos principais contribuintes do estilo suíço, ou do estilo internacional mais tarde conhecido, e acreditava que o objetivo da gravura era comunicar idéias. Marie Vieira foi uma escultora, pintora, professora, designer de espaços e designer gráfica brasileira que foi convidada a participar da recente exposição do Grupo Suíço Allianz de Max Bill, co-fundador da Ulm e o mais influente motor do design gráfico suíço. Ambas as obras acima mencionadas de Emile e Mary revelam fundos pretos e linhas e cores uniformes. A galeria inclui cerca de sete obras de Max Bell. para ele a cor (Kunstgewerbermuseum Zurich, 1943, Suíça), um anúncio de exposição para o Museu de Artes e Ofícios de Zurique, surpreende o espectador com a presença das cores vermelho, amarelo, azul, verde e roxo, em contraste com o uso mais comum do Museu de Artes e Ofícios de Zurique. -Color thread.

A Ulm School of Design foi uma escola particular de design industrial e comunicação visual em Ulm, Alemanha, inaugurada em 1953 e persistiu nas ideologias da Bauhaus. Promoveu um estilo de texto simples que combinava formas geométricas e imagens e usava técnicas simples para imprimir em papel e outros materiais. Otl Aicher, um dos fundadores desta escola de design, expõe em seu anúncio do evento seus pôsteres com cores inusitadas, como laranja, roxo, vermelho e azul. décimo nono (Jahrhundert / Donnerstagvorträge im Januar-Februar), e um de seus pôsteres mais famosos, ilustrações para os Jogos Olímpicos de Verão de 1972 em Munique, que introduziram o uso de formas adesivas para sinais públicos, Infográficos (Munique 1972, Montreal 1976).

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Eugene Eman, 1921 Deutscher Graphik Gallery / Kunstsalon Wolfsberg ZuriqueEl Lissitzky,

No auge do período do construtivismo, novos desenvolvimentos em padrões e linhas começaram a aparecer. Fontes sem serifa eram usadas normalmente e, embora os tamanhos grandes disponíveis fossem muito limitados na época, a maioria dos designers tinha que escrever à mão. El Lisitsky, um artista, designer, fotógrafo, calígrafo, polemista e arquiteto, que influenciou muito o construtivismo russo, foi uma figura importante na vanguarda russa e criou, em grande parte, obras de propaganda para a União Soviética. Isso é explicado em URSS (Russische Ausstelung / Kustgewerbemuseum Zürich, 1929), anúncio de exposição desenhado em fonte Sans-serif para a exposição russa no Museu de Artes e Ofícios de Zurique. Outro trabalho de detetive de Eugene Iman, Exposição gráfica alemã (Kunstsalon Wolfsberg Zürich, 1921), um anúncio de exposição para o Salão de Arte de Wolfsburg, Zurique, que exibe não apenas texto sobre preto e branco ou um fundo colorido, mas também uma obra litográfica de um homem e uma mulher em um estilo um tanto cubista.

Wolfgang Weingart, Schweitzer pôster 1900-1983 / Berkweiser Verlag 1983 © Wolfgang Weingart Scolus Weddell,

A galeria do suplemento talvez seja o destaque da exposição. Ele exibe uma grande coleção de cerca de 59 adesivos coloridos de construção. Desde a década de 1970, o movimento passou por mudanças radicais além de texto e imagens para incluir uma interação entre imagens, fotos e obras de arte. As mudanças surgiram da consciência geral em direção ao socialismo e acenderam a objetividade nas idéias. As cores agora são mais ousadas e claras. A editoração eletrônica chegou como a principal ferramenta de comunicação gráfica junto com a impressão offset. Wolfgang Weingart Pôster Schweitzer 1900–1983 (Birkhäuser Verlag, 1983 © Wolfgang Weingart), ou Pôster suíço, Anúncio publicado e Skolos-Wedell’s SBK Entertainment World(C. 1987 © Skolos-Wedell), um anúncio promocional, que retrata a evolução radical do construtivismo com a incorporação de imagens coloridas e colagens.

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Wolfgang Weingart, um designer gráfico e tipógrafo mundialmente famoso, foi um instrutor na Basel School of Design. Ele colaborou com Emil Ruder e é mais conhecido como o pai da New Wave, ou gravura Swiss Punk. A designer gráfica Nancy Skollos e o fotógrafo Thomas Wendell são duas equipes de marido e mulher dos Estados Unidos que exploram qualidades físicas em um espaço bidimensional, junto com a criação de imagens, símbolos e palavras. Em alguns aspectos, a direção do design se assemelha às características do estilo Memphis (1980-1987), fundado pelo famoso designer italiano Ettore Sotsas que também se destacou pela estética abstrata, formas assimétricas e abriu caminho para o pós-modernismo. Um show se destaca em uma mesa, Isso tem um significado? (Design Quarterly # 133, Walker Art Center, Publication Commercial, 1986, EUA) da designer gráfica, artista e educadora April Greiman, uma litografia de dois metros de comprimento de um corpo totalmente projetado que parece estar preso em uma visão de mundo onírica de ela mesma como artista e autora. Aplica tecnologia de estética de pixel e estabelece uma linha do tempo que traça a evolução da era eletrônica.

Ao sair da galeria, você pode se aventurar nos pitorescos jardins europeus e japoneses e parar para ver o exterior do prédio do museu, enquanto ainda aprecia a arte da era da construção e da era Art Déco, que influenciou muito a ideologia do design hoje.

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